Annabelle

L’histoire de Royal Sorrow a commencé l’an dernier avec Metrograve, en octobre 2024. Pour moi, ça a été à la fois une révélation pour le public qui découvrait votre groupe et une sorte de déclaration d’intention pour vous. Avec le recul, comment voyez-vous ce premier single aujourd’hui ? Qu’est-ce que vous diriez de ce morceau ?

Markus

Merci, c’est une très belle façon de le dire. Et je crois qu’on ressent encore un peu la même chose. À l’époque, c’était très intuitif, mais aujourd’hui, ça nous paraît encore plus solide. On avait vraiment prévu que ce soit une sorte de manifeste : « Voilà qui nous sommes, voilà ce qu’on fait maintenant. » Et ça reste une super manière de montrer aux gens ce qu’est Royal Sorrow. En même temps, c’est fou de penser que ça fait déjà un an. Parfois ça paraît une éternité, parfois ça paraît très court. On a un peu l’impression que le groupe fête son premier anniversaire, qu’on est encore des bébés d’une certaine manière.

Annabelle

Donc voilà, après un an d’attente, vous sortez enfin Innerdeeps. Comment s’est déroulé le processus créatif de l’album ? Et qu’est-ce qui rend ce disque si spécial pour vous ?

Markus

Je crois que c’est, de loin, le projet artistique dans lequel nous avons mis le plus d’efforts de toute notre vie. C’est l’entreprise artistique la plus importante qu’on ait jamais menée, et pour cette raison, il restera toujours spécial. Même si le groupe est jeune, on fait de la musique ensemble depuis longtemps, donc on avait déjà une base solide pour composer à plusieurs. Beaucoup de morceaux commencent par des idées individuelles que l’un de nous apporte, puis on les partage et on en discute. On essaie vraiment de créer une cohérence, à l’intérieur des morceaux mais aussi entre eux. Innerdeeps a été pensé de cette manière : un ensemble de chansons qui s’assemblent bien, tout en apportant chacune un élément nouveau et intéressant. Travailler dessus ensemble a été vraiment passionnant.

Annabelle

Plus tôt cette année, vous avez sorti Evergreen, qui parle de lâcher prise et de guérir de schémas destructeurs. Votre dernier single, Release Your Shadow, parle d’accepter ses imperfections et son unicité. Ce sont des thèmes liés à la santé mentale, ce qui est assez rare dans le metal. J’adore ça, j’adore les groupes qui osent en parler. Pourquoi était-il important pour vous d’intégrer ces messages à l’album ?

Markus

On a trouvé un espace naturel pour ça. On ne s’est pas dit au départ : « On va devenir un groupe militant pour la santé mentale. » Mais c’est venu naturellement. Je pense que ça vient du fait qu’on est des amis de longue date qui font de la musique ensemble et qui veulent écrire sur des sujets qui ont du sens. À ce moment de nos vies, ce qui nous intéresse, c’est vraiment d’explorer nos esprits, ce qui nous pèse, et de partager ces réflexions en studio. On a eu des conversations très longues et très profondes entre nous, presque thérapeutiques, et comme ça nous semblait naturel, on a pleinement embrassé cette démarche. Ce n’était pas une mission au départ, mais aujourd’hui, ça nous paraît important. Et quand on voit que les gens se retrouvent dans ces morceaux, ça nous confirme qu’on est sur la bonne voie. Pour nous, ça a du sens, et si ça peut aider d’autres personnes, c’est encore mieux.

Je crois que c’est une très bonne façon de faire réfléchir des gens qui, autrement, ne se pencheront peut-être pas sur leur santé mentale. Et le metal est une communauté parfaite pour ça : on a cette image très dure à l’extérieur, mais en réalité on est souvent très sensibles et créatifs à l’intérieur. On a l’habitude de laisser la musique parler, et de voir quelles émotions elle fait surgir.

Annabelle

C’est très bien dit. Votre musique mélange des influences évidentes — VOLA, Sleep Token, Leprous, Spiritbox, Tesseract, etc. – mais je trouve que vous avez aussi une sensibilité plus immédiate, parfois même pop. Comment trouvez-vous l’équilibre entre la complexité technique du metal progressif et l’accessibilité de votre musique ? Parce que c’est très facile à écouter, ce qui n’est pas toujours le cas dans le prog.

Markus

Oui, c’est très juste. Je comprends ce que tu veux dire. On adore quand la musique a plusieurs couches. On a tous eu des phases où on ne s’intéressait qu’aux choses les plus techniques et les plus complexes. Mais la virtuosité pour la virtuosité, ça ne dure pas. Ça peut impressionner dans une courte vidéo Instagram aujourd’hui, mais ça ne suffit pas pour construire une œuvre artistique solide. Quand on a lancé Royal Sorrow, on ne voulait pas juste empiler des riffs techniques et ajouter une ligne vocale par-dessus. On voulait écrire de vraies chansons. Et on a trouvé que le meilleur moyen était de laisser la voix guider la musique, de faire en sorte que le reste serve le chant.

C’est ça qui donne cette impression d’accessibilité : dès la première écoute, tu comprends où le morceau veut t’emmener. Et puis, si tu réécoutes, tu découvres plein de détails, d’éléments de soutien, souvent plus techniques. Pour nous, il est important de distinguer ce qui sert vraiment le message et ce qui est là comme un plus.

Annabelle

Oui, bien sûr. Et je comprends, si vous voulez transmettre un message fort avec vos textes, il faut que la voix soit puissante.

Markus

Exactement.

Annabelle

Et je crois que la voix, c’est ce qui me touche le plus. J’adore la guitare, j’adore la batterie, mais souvent c’est le chant qui transmet le plus d’émotions.

Markus

Je crois que c’est naturel : en tant qu’êtres humains, on est programmés pour considérer la voix comme l’élément le plus important. Qu’on le veuille ou non, c’est ce vers quoi on est attirés en premier.

Annabelle

Oui, et puis il y a aussi le texte, les mots portés par la voix. Bien sûr, un musicien, un guitariste par exemple, entendra un autre niveau de lecture dans les guitares qu’un auditeur « lambda ». Mais pour la plupart des gens, la voix, c’est ce qu’on entend tous les jours, ce qu’on connaît intimement. C’est par elle que passent les émotions.

Markus

Exactement, oui.