Demain, le 10 octobre c’est le grand jour pour la sortie de ton huitième album. Il s’appelle “Man on a Mission”. Dans quel état d’esprit es-tu à la veille de cette sortie ? 

C’est toujours particulier parce qu’on y met tellement de choses dans un album, on y met tellement d’énergie, de temps, d’amour, de passion et de recherche aussi. Mais il y a un truc qui nous échappe. Est-ce que les gens vont capter le message ? Est-ce qu’ils vont aimer les ritournelles et les chansons que je leur propose ? Est-ce que ceux qui nous suivent ne vont pas être déçus ? On se pose forcément ces questions. Moi je suis plutôt quelqu’un qui doute souvent, donc tant que je ne l’ai pas défendu sur scène il y a toujours un petit stress quand même. J’ai l’impression de faire partie de ces derniers des Mohicans, à faire une musique qui est très inspirée des anciens. Aujourd’hui quand on allume notre écran de télé, on regarde ce que les grands médias proposent, c’est vrai que je suis très loin de cette musicalité-là. Il n’empêche qu’en France je sais qu’il y a un public parce qu’on joue énormément en France, c’est plus de 100 concerts par an, on remplit nos salles. Alors ce n’est pas des Zénith, mais c’est quand même des salles de 800, 1000 places. Il y a un public pour cette musique-là et d’ailleurs je parle au nom de tous les groupes qui font du rock, blues ou du blues rock, appelons ça comme on veut. En tout cas pas la musique que proposent les grands médias. Il y a une communauté qui existe, il y a des artistes fabuleux, mais on est quand même un peu tous sur un chemin de croix lorsqu’on fait ce genre de musique là aujourd’hui. 

Le titre de l’album l’annonce, tu es un homme en mission. Si la mission est de nous faire passer un agréable moment avec ta musique, je te le dis c’est totalement réussi. 

C’est cool merci. 

À moins qu’il y ait un autre sens à ce titre ?

Oui, il y en a plusieurs. C’est Craig Walker qui m’a écrit cette chanson d’ailleurs et qui m’a inspiré pour le nom de l’album. Il me connaît depuis longtemps. Craig Walker est l’ex chanteur du groupe ARCHIVE. On se connait depuis très très longtemps, à l’époque où il chantait dans ARCHIVE. Après on a collaboré un peu avec THE AVENER dans un tout autre registre. C’est lui qui a écrit “Fade Out Lines” et moi je faisais des guitares pour Tristan Casara et on s’est revu à ce moment-là. Il a toujours suivi l’évolution, entre guillemets de ma carrière, il me dit : mais c’est incroyable parce que tu ne lâches rien, j’ai l’impression de te voir envers et contre tous, à prendre la route. Ce qui est la vérité. J’ai été chercher mon public, on a pris le maquis. L’aventure du DEVIL BLUES commence véritablement dans une petite voiture. Jimmi (Montout), mon batteur et moi, on allait jouer absolument partout pour 50 euros. On jouait dans les campings, les centres naturistes. (rires) Ça crée des histoires incroyables parce qu’on se plaçait là où les gens ne nous attendaient pas, des salons de coiffure ou des bars. Là où les conditions d’accueil ne sont pas des conditions d’accueil d’une salle de spectacle. Ça a pris du temps, mais petit à petit on a construit quelque chose. Et du début à aujourd’hui c’est une très belle histoire. Les gens nous ont identifiés, on a un public qui nous suit, donc oui, je suis en mission depuis longtemps et je pense que c’est ma posture et mon chemin de vie qui a inspiré ce titre de chanson à Craig Walker.

Cet album est un voyage, autant dans l’imaginaire que dans sa composition. Quelle est la genèse de cet album ? Peux-tu nous parler de ces voyages ?

En fait, toutes les bases rythmiques des titres ont été faites comme on fait toujours. J’ai un studio qui s’appelle La Chocolaterie à Paris. Là, c’était un peu différent parce que j’ai travaillé sur deux autres projets, précédemment. J’ai du mal à travailler sur plusieurs projets à la fois, parce qu’un album c’est très chronophage et pour vraiment faire quelque chose de bien, il faut s’y adonner pleinement, entre le travail de composition, les premiers enregistrements, la production, le mixage et le mastering. Toutes les étapes pour faire un album prennent du temps. Je me suis engagé sur l’album que j’ai fait pour mon père “Ici-bas” pendant le Covid, qui a pris du temps. Après on a un peu tourné pour cet album. Puis après j’ai fait un album en hommage à Calvin Russell, parce que c’était un truc qui me tenait à cœur. J’ai fait un concert en hommage à Calvin qui a extrêmement bien fonctionné. Et à l’issue de ce concert, je me suis dit : c’est dingue comme la musique de cet artiste est encore inscrite dans le cœur des gens, donc il faut que je fasse un album hommage. Et comme il y a beaucoup d’invités sur cet album hommage, c’est sûr qu’il y a peu de place pour le prochain album, le nouvel album, mon nouvel album. Et c’est Nico Bonnière, qui est mon partenaire artistique dans tout ce que je fais, qui m’a trouvé une petite baraque à La Chaume en face des Sables-d’Olonne en plein hiver. Il m’a dit : ramènes ta guitare, ramènes ton dictaphone, je vais t’enfermer là-bas et tu n’en sortiras que lorsque tu auras les morceaux du prochain album. Et c’est ce que j’ai fait. J’ai écrit l’album, beaucoup en Vendée et puis après on a enregistré toutes les bases rythmiques avec nos musiciens entre mon studio à Paris, on a aussi un pied à terre dans le Perche avec mes musicos. C’est un endroit où on aime bien enregistrer. Et après je suis parti avec ma petite lunch box. Une lunch box, c’est un studio portable. Il y a des formats 500 avec un micro, un ordinateur et une lunch box vous avez vraiment un studio professionnel. Et je suis allé enregistré toutes les autres parties un peu partout dans le monde. J’ai enregistré certaines chansons à Montréal, j’avais besoin de m’isoler là-bas. Je suis parti à Sheffield en Angleterre qui est la ville natale de Joe Cocker, parce que je voulais enregistrer les cuivres. Je voulais travailler avec une section de cuivre qui s’appelle THE HAGGIS HORNS et qui est une section de cuivre très réputée en Angleterre. Ils travaillent avec Mark Ronson, ont travaillé sur les albums d’Amy Winehouse ou de JAMIROQUAI. C’est vraiment du sérieux ces mecs. Et j’ai eu la chance de les avoir pour enregistrer les cuivres dans un studio. J’en ai profité pour enregistrer les voix. Dès que je me baladais pour aller travailler, collaborer avec d’autres musiciens aux 4 coins du monde, j’en profitais pour enregistrer mes voix. C’est ce que j’ai fait quand je suis allé rejoindre Craig Walker à Fort Lauderdale en Floride. J’ai loué une petite baraque, j’ai posé mon studio dans le salon, puis on a écrit et enregistré une chanson. Il y a eu plein de choses. J’avais envie de m’immerger dans des endroits qui respirent la musique. Il y a un endroit encore assez impressionnant pour ça je trouve. Je connais bien les États-Unis mais c’est vrai que Nashville est très impressionnante. Le nombre de jeunes musiciens, les clubs, les studios d’enregistrement et la dynamique de cette ville est vraiment faite pour produire de la musique. J’ai enregistré dans un studio qui s’appelle The House of David Briggs. Je l’ai trouvé sur Google Maps. Le studio m’inspirait bien, je le trouvais joli, avec un truc un peu old school. Elle inspire l’authenticité de ce studio. Je ne savais pas qui était David Briggs et figure-toi que c’était le pianiste d’Elvis Presley, autrefois. C’est un studio d’enregistrement dans une maison individuelle et puis au bout de 2 jours je posais des questions à un ingénieur du son qui m’a expliqué que c’était un grand pianiste qui a travaillé avec Elvis Presley et plein d’autres. J’ai demandé si ce monsieur était encore vivant et il me dit : carrément, il est encore vivant. Il n’est pas très en forme mais il vit au-dessus, au premier étage. S’il sait qu’il y a un petit frenchy qui travaille en ce moment dans son studio, tu peux être sûr qu’il va venir dans la semaine à ta rencontre. Et il est venu. Il s’est installé et on a parlé pendant 3 heures. La vie est incroyable parfois parce qu’il connaissait beaucoup d’artistes français. Le fameux Eddy Barclay lui a ramené Eddy Mitchell, Dick Rivers et même Johnny Hallyday. C’est dingue parce qu’il a une vraie attache et une vraie passion pour les Français. C’est incroyable d’être convié dans ce studio-là. Son premier client a été Joe Cocker, tous les bluesmen qui m’éclatent comme Bo Diddley, ont travaillé dans ce studio-là. Je ne sais pas, à mon avis, c’était ma destinée, il fallait que j’enregistre mes voix dans cet endroit-là. Alors bien évidemment, on pense à tous les gens, les grands noms qui ont travaillé dans ce studio-là et ça vous met dans des prédispositions, ça vous rend un peu plus fort. Vous essayez de choper les vibrations de cet endroit là pour que ça serve votre musique tout simplement. Il s’est passé des choses assez hallucinantes pendant ce voyage. J’ai un peu bougé partout pour aller enregistrer. Idem à Gand en Belgique. Je voulais que Beverly Jo Scott, qui est une grande chanteuse mais aussi une coach vocale très impressionnante, m’organise tous les cœurs, toutes les parties gospel qu’il y a sur l’album. J’adore voyager. De toute façon, je suis musicien parce que j’aime cette vie de nomade. Les voyages me donnent un truc très chouette, j’aime bien enregistrer les voix mais pas dans mon studio à Paris. J’ai besoin de sortir de ma zone de confort. Choper des vibrations nouvelles. 

L’album ouvre sur ce qui est probablement mon titre préféré de ce disque. C’est “Just Need Me”. Je crois que c’est Axel Bauer qui est derrière ce titre, c’est bien ça ?

Exactement, j’ai passé une soirée chez lui, on écoutait plein de choses dans son studio et par hasard il me fait écouter ça. J’ai trouvé ce titre super. Il avait le riff de guitare, mais il n’y avait pas le texte et tout ça. En plus, il avait mis une sorte de petite programmation désuète qu’on a d’ailleurs gardée. On a rajouté une batterie dessus et une basse un peu analogue. J’ai refait une guitare, mais j’ai gardé la sienne. C’est un morceau qui fonctionne avec deux guitares qui donne la réponse. J’ai eu un coup de foudre pour ce titre là et je suis très fier qu’il ait accepté de me le filer. C’est aussi une belle entrée en matière pour l’album je trouve. J’ai su très vite qu’il allait être en première position sur l’album. 

J’aimerais que tu me parles du titre “Did You See Judy ?”. Sans vouloir être péjoratif, je trouve que ce titre est assez mainstream. Il a un côté pop catchy avec en parallèle un chant et un son de guitare qui pousse vers le reggae. C’est terriblement efficace. C’est le genre de titre qui s’intègre parfaitement dans une setlist ? 

Alors moi, quand j’enregistre un album, c’est la règle que je me fixe. C’est un critère de choix parce que souvent quand tu commences à rentrer dans la préparation d’un album, tu fais plus de morceaux qu’il n’y en aura à la fin. Et mon critère de choix, c’est très souvent, est-ce que je suis capable de le défendre sur scène ? Est-ce que je vais vouloir le jouer sur scène ? C’est très important pour moi. J’enlève toujours les titres que je ne vais pas avoir envie de jouer sur scène. Je fais des albums pour que les gens voient mon univers, qu’ils s’accaparent les mélodies, les ritournelles… Pour moi la finalité, c’est d’aller défendre l’album après sur scène. Il faut que ça donne envie de jouer, il faut que ça m’inspire. Et “Did You See Judy ?” c’est marrant parce que dans la manière de le produire il a pris un nouveau visage. Tu sais, c’est juste 2 accords ce truc-là. Si je prends une guitare et que je joue le couplet refrain c’est les mêmes 2 accords. Alors on a détourné le truc mais on n’est pas loin du blues mine de rien. Après dans la manière de l’arranger on a une guitare qui peut faire penser à certaines prod de THE POLICE. Il ne faut rien s’interdire. Tu sais, j’ai fait beaucoup d’albums et  je n’ai jamais essayé de singer ni de plagier le Chicago blues parce que je ne suis pas du Chicago blues. Les gens m’ont mis une étiquette du bluesman français et tout ça. Mais j’ai toujours mélangé différentes choses dans ma musique, j’ai toujours essayé de casser un peu les codes de ce blues. On a toujours essayé de le moderniser et dans mes influences il y a de la soul, j’aime aussi la pop lorsqu’elle est efficace. J’ai écouté beaucoup d’artistes de reggae. Je suis un fan de Lee Scratch Perry et je pense qu’il ne faut rien s’interdire. C’est ma vision des choses et peut-être que je me trompe. Mais quand tu rentres en studio, tous tes préjugés, tu les mets à la porte et tu essayes parce qu’on ne sait pas où l’improvisation et l’inspiration vont te conduire et je pense qu’il faut se laisser guider. Tu gardes ou tu ne gardes pas mais il ne faut rien s’interdire. J’ai réalisé des albums pour d’autres artistes et souvent je vois des mecs qui veulent rester dans leur zone de confort. Ils te disent que ça doit sonner comme-ci, le rock ça doit sonner comme ça. D’après moi c’est une erreur parce que il faut innover, il faut essayer les choses. Et dans cet album-là, il y a plein de mélanges de genres.