* J’aimerais qu’on se concentre un peu sur les paroles parce que votre manière d’écrire est quelque chose qui m’a toujours plu et intéressée. Dans le premier morceau de l’album, “Messiah”, j’ai beaucoup aimé une parole en particulier : ‘But you can’t spell martyr without art’ [‘Mais on ne peut écrire martyr sans art’]. Autre le fait que ça montre cette souffrance inévitable, je trouve ça beau de relier l’art à la peine parce que je trouve que l’art est quelque chose qui est connecté avec la passion. Dans la terminologie du mot passion, il est d’ailleurs dit qu’il faut souffrir pour arriver où on le désire. D’un point de vue plus personnel, comment trouves-tu un remède face au fait de souffrir pour ton propre art, si c’est le cas bien sûr ?

Niko : C’est une très bonne question, tu es déjà dans cette phase de réflexion plus poussée où on voulait amener les gens ! Même si les gens peuvent très bien écouter et adorer l’album sans avoir à creuser pour chercher les sens cachés. Mais j’aime le fait que tu creuses ça, c’est en pensant à tout ça que je travaille sur les paroles. Aucune parole n’est faite au hasard. J’ai fait la paix avec beaucoup de choses qui me sont arrivé. D’ailleurs, chaque personne du groupe apporte ses propres réflexions et expériences. Le but n’est pas de trouver une solution à tous ces problèmes, mais de les mettre en forme. Pour moi, un morceau n’est jamais aussi bien que quand je travaille dessus et qu’il naît entre mes mains. C’est la forme la plus parfaite. Pas qu’après c’est moins bien, pas du tout, mais en tant qu’auteur-compositeur, quand une chanson naît, elle est la chose la plus parfaite à mes yeux. Quand elle sort sur les plateformes et que tout le monde peut l’écouter, de notre côté, on l’a entendue des centaines de fois et sous différentes versions. Pour moi, l’artiste guérit l’art pour lui-même, et pour que d’autres personnes puissent profiter de cet art. On a la chance de pouvoir profiter de voir un morceau évoluer à travers les différentes étapes que sont la production, le mixage, le mastering etc. C’est donc nous qui choisissons la meilleure version du morceau pour l’auditeur. J’ai toujours trouvé le fait de voir une chanson changer beaucoup de fois avant qu’elle ne soit disponible à tout le monde très difficile. Au fur et à mesure, je m’y suis habitué, et j’ai appris à aimer tout ce processus aussi. C’est mon lot de souffrance à moi en tant qu’artiste. C’est pour ça que je suis un auteur-compositeur plutôt qu’un producteur, parce que ce dernier commence à travailler sur un titre quand il est presque fini. À ce moment-là, moi, je suis déjà passé à un autre morceau. Quand le temps passe, et quand l’album est sorti, je vais l’écouter une ou deux fois seulement avant d’y revenir des années plus tard. Ce sera à ce moment-là, peut-être dans cinq ou dix ans que ça me fera l’effet d’une machine temporelle. Je vais pouvoir me rappeler de tout, de ce qu’on a traversé à cette époque et le travail qu’on a fait en tant que groupe. Faire un album, et même une chanson, c’est comme concevoir une capsule temporelle. Et ça, ça rend l’art tellement beau. On voulait aussi que l’album représente tout le groupe, chacune de nos personnalités à ce moment précis. C’est le but de notre évolution artistique. On n’a jamais fait un album comme “Painstream”, et on n’en fera jamais un comme celui-là. 

*C’est comme une catharsis au final. Pas forcément dans le sens où c’est la fin du groupe, mais comme le fait d’avoir pris une pause, vous tournez cette page pour finir un tout nouveau chapitre. Je ne sais pas si ça a été le cas pour “Painstream”, mais c’est peut-être pour vous une nouvelle opportunité pour le groupe de tester de nouvelles choses. Pour revenir sur quelque chose de très intéressant que tu as dit, sur le fait que tu chéris un morceau avant de devoir le laisser partir. Il y a-t-il un morceau en particulier de l’album pour lequel tu as eu un peu plus de mal à faire ça ?

Niko : Très bonne question. Pour moi, aucune œuvre d’art n’est prête à être dévoilée au monde. Par exemple, pour un tableau, tu ne peux pas forcément le laisser partir parce que tu peux continuer de le modifier et de le perfectionner sans arrêt. Ma théorie c’est que quand tu fais de l’art, surtout pour les autres, et que tu mets tout ce que tu as en toi dans ton morceau, ton film, ta peinture ou tout ce que tu veux, ça représente 50% de l’œuvre. L’autre moitié, c’est l’auditeur ou le public. Quand tu sors un morceau, l’auditeur va se projeter dans la chanson selon ses propres expériences et ressentis, et ça, ce sont les 50% restants. Même moi, je me souviens de tout la première fois que j’ai découvert des chansons, qui sont maintenant mes chansons préférées. Je me souviens comment elles m’ont aidé quand j’ai vécu telle ou telle chose. Je suis quasi sûr que ce que j’ai ressenti quand j’ai écouté ces morceaux, n’était pas les mêmes émotions que l’auteurice ressentait quand iel travaillait dessus. Ça rejoint un peu ce que je disais avant d’ailleurs. Je ne pense pas avoir un morceau en particulier, le but est de faire confiance à ton instinct. Quand tu écoutes un morceau, tu sais quand il est fini. On peut toujours continuer de travailler sur un morceau encore et encore si on le voulait, et c’est là que les deadlines sont utiles. Il faut faire confiance à cette voix qui te dit ‘C’est bon, tout ce que tu ressens est transcrit et arrête toi là’.

*C’est tellement intéressant et important de comprendre le point de vue des musiciens. Surtout qu’en tant qu’artiste, écrire des morceaux lourds de sens fait renaître des traumatismes, et j’imagine que ça doit être aussi bien libérateur que difficile. Comme tu le disais, l’auditeur construit la moitié d’une chanson, donc j’imagine que, de par ce lien, ça doit unifier votre relation avec vos fans. Et j’imagine que c’est ce qui rend tout ça encore plus important pour toi ?

Niko : Oui, on recherche toujours cette connexion, et c’est ce qui rend le live encore meilleur. Quand on sort un titre, il y a plein d’intermédiaires entre nous, mais en live, la réponse est directe. On a toujours essayé de chercher ce lien, mais je pense qu’on n’a jamais réussi à le faire aussi bien qu’au travers de cet album. La musique, et surtout l’art en général, devrait uniquement être centré autour de ce lien, de cette connexion. Une autre chose très importante, notamment parce que la musique est un langage en elle-même, est la sensibilité. On a déjà essayé de travailler beaucoup dessus, mais on s’améliore de plus en plus. On ne veut pas faire des morceaux parfaits, personne ne veut entendre quelque chose de parfait, l’intelligence artificielle peut s’en occuper. Que ce soit en tant que musicien ou en tant que consommateur d’art, on ne recherche pas la perfection mais plutôt ce qui nous rend humain. C’est comme quand la voix se brise un peu, ce qui est le cas dans cet album. À certains moments, j’étais à deux doigts de fondre en larmes dans le studio. C’est cette imperfection, ce qui révèle qu’on est tout simplement humain, qu’on recherche. C’est comme cette petite tâche, ou une erreur sur un tableau ou un dessin que seul un humain peut exécuter qui rend le tout beau. Avant, pour nos précédents albums, on essayait toujours de laisser notre côté humain et imparfait prendre le dessus quand on le ressentait. Ça a été une des leçons les plus importantes pour nous, et on va toujours garder ça.